Thronehammer
Das wäre eine ziemlich absurde Art, Musik zu machen!

THRONEHAMMER sind eine der vielseitigsten Doom Metal-Bands und haben mit ihrem neuen Album „Slay | Kill | Erase“ erneut die Grenzen des Genres gesprengt. Was hinter dem intensiven, fesselnden Werk steckt, klärt Bandgründer / Gitarrist Stuart West im Interview.

Cover Artwork von THRONEHAMMER – „Slay | Kill | Erase“

Ihr seid gerade von eurer „Slay | Kill | Erase“-Tour zum neuen Album zurückgekehrt. Wie war die Tour? Was waren die Höhepunkte? Gibt es schöne Geschichten zu erzählen?

Die Tour war fantastisch! Auf Tour zu sein, ist immer eine Mischung aus großartigen Shows, langen Fahrten, sehr wenig Schlaf und dem Versuch, sich daran zu erinnern, welcher Wochentag eigentlich gerade ist. Aber genau das gehört dazu. Man verbringt so viel Zeit mit der Vorbereitung eines Albums, und dann kann man die Songs endlich mit auf Tour nehmen und sehen, wie das Publikum darauf reagiert.

Einer der Höhepunkte war definitiv unsere Show im Artik in Freiburg. Das Publikum war absolut wild und die Energie im Raum war unglaublich. Das sind die Momente, in denen einem klar wird, warum man all die harte Arbeit auf sich nimmt, die mit dem Dasein in einer Band verbunden ist. Man kann einen Song hundertmal proben, aber wenn man ihn vor einem Publikum spielt, das wirklich einen Draht dazu findet, wird daraus etwas völlig anderes.

Es ist auch toll, Leute zu treffen, die weit gereist sind, um uns zu sehen, unsere Platten gekauft haben und der Band schon seit Jahren folgen. Auf Tour hat man zwar nicht immer viel Zeit, um mit jedem zu sprechen, aber solche Begegnungen bedeuten uns sehr viel.

Natürlich ist nicht jeder Moment auf Tour glamourös. Es geht immer mal etwas schief, jemand ist müde, irgendetwas muss repariert werden, oder man versucht, zu einer Uhrzeit noch etwas zu essen zu finden, zu der eigentlich schon alles geschlossen hat. Aber genau diese Dinge werden später zu den Geschichten, die man erzählt. Insgesamt sind wir sehr glücklich mit der Tour – es war großartig, das neue Album auf die Bühne zu bringen.

Ihr habt außerdem euer neues Album „Slay | Kill | Erase“ veröffentlicht. Wie waren die Reaktionen?

Die Reaktionen waren fantastisch, und wir sind ehrlich gesagt sehr stolz darauf, was wir mit diesem Album erreicht haben. Wir haben bereits einige großartige Rezensionen erhalten, und die Auszeichnung mit dem ersten Platz im Soundcheck des Deaf Forever-Magazins sowie die Wahl zum „Album des Monats“ waren einfach großartig. Das ist ein riesiges Kompliment – ​​besonders wenn man bedenkt, wie viele herausragende Platten jedes Jahr veröffentlicht werden.

Was uns besonders freut, ist, dass die Leute die Entwicklung unseres Sounds zu bemerken scheinen. Wir wollten nicht zum vierten Mal dasselbe Album aufnehmen. Wir wollten uns weiterentwickeln, neue Ideen erkunden und etwas erschaffen, das sich für THRONEHAMMER wie ein echter Fortschritt anfühlt.

Gleichzeitig haben wir den Kern dessen, was diese Band ausmacht, nicht aufgegeben. Die Schwere, die Düsternis und die epische Dimension sind nach wie vor präsent, doch wir haben unser musikalisches Vokabular darum herum erweitert.

Letztendlich kann man monatelang an einem Album arbeiten, doch sobald es veröffentlicht ist, gehört es den Hörern genauso sehr wie einem selbst. Zu sehen, wie Menschen auf ihre ganz eigene Weise eine Verbindung dazu aufbauen, ist einer der schönsten Aspekte am Musikmachen.

Gitarrist Tim Hammersmith hat THRONEHAMMER im Jahr 2024 verlassen. Welche Lücke hat er in der Band hinterlassen? Wie wichtig war er für THRONEHAMMER?

Tim war ein wichtiger Teil von THRONEHAMMER, und sein Ausstieg markierte natürlich das Ende eines bestimmten Kapitels in der Geschichte der Band. Wenn jemand Teil einer Band war und zu deren Entwicklung beigetragen hat, kann man diese Person nicht einfach ersetzen und so weitermachen, als wäre nichts geschehen.

Jeder Musiker bringt seine eigene Persönlichkeit, seine eigenen Ideen und seinen ganz persönlichen Zugang zur Musik ein. Tim hat seinen Beitrag zur Band geleistet, und wir sind dankbar für die Zeit, die wir gemeinsam verbracht haben.

Bands müssen sich jedoch auch weiterentwickeln. Besetzungswechsel können eine Herausforderung sein, bieten aber auch die Chance, neue Wege einzuschlagen. Für mich war es wichtig, Musiker zu finden, die verstehen, wofür THRONEHAMMER steht, und die gleichzeitig neue Impulse einbringen.

Mit Tobias und Daniel haben wir genau die kreative Energie gefunden, die es uns ermöglicht, die Band weiterzuentwickeln. Bei THRONEHAMMER ging es noch nie um Stillstand, und die Veränderungen in unserer Besetzung sind Teil dieser fortlaufenden Reise.

Du hast sie gerade angesprochen, mit Tobias Utz und Daniel Ringl habt ihr zwei neue Gitarristen. Wie seid ihr auf sie aufmerksam geworden und warum habt ihr euch für sie entschieden? Welchen Einfluss hatten sie auf das neue Album?

Tobias kam nach Tims Ausstieg zu uns, und Daniel stieß 2026 dazu. Daniel ist zudem durch seine Arbeit mit der Berliner Black-Metal-Band HÆRESIS bekannt. Beide Musiker bringen ihre eigene musikalische Identität ein – das war mir wichtig.

Ich habe nicht nach Leuten gesucht, die einfach nur reproduzieren, was bereits da war. Ich wollte Musiker, die eigene Ideen einbringen und uns dabei helfen, die Musik weiterzuentwickeln. Tobias hat ein ausgeprägtes Gespür für prägnante, melodische Gitarren-Leads, während Daniel markante Dissonanzen sowie eine düstere, beunruhigendere Note in die Arrangements einbringt. Diese Eigenschaften ergänzen sich hervorragend.

Man muss dazu sagen, dass das Material auf „Slay | Kill | Erase“ über einen längeren Zeitraum entstanden ist. Das Album spiegelt also eine bestimmte Phase in der Entwicklung der Band wider – es ist nicht von Anfang bis Ende das Produkt einer völlig neuen Besetzung. Dennoch haben die neuen Musiker die eingeschlagene Richtung mitgeprägt, und ihre Beiträge eröffnen spannende Möglichkeiten für die Zukunft.

Das Beste daran, Musiker mit unterschiedlichen Ansätzen in der Band zu haben, ist für mich, dass sie sich gegenseitig kreativ herausfordern können. Man erhält Ideen, auf die man selbst vielleicht nie gekommen wäre – und genau das erwarte ich von einer Band.

Ihr habt jetzt drei Gitarristen in der Band – genau wie IRON MAIDEN! Was sind die Vorteile?

Nun, wir klingen nicht wirklich wie IRON MAIDEN, oder? Haha! Und ich bin auch definitiv kein Fan dieser Band.

Drei Gitarristen zu haben, eröffnet uns eine weitaus größere Palette an Klängen und Texturen. Es geht nicht einfach nur darum, alles lauter zu machen oder drei Leute auf die Bühne zu stellen, die alle dasselbe Riff spielen. Der eigentliche Vorteil liegt darin, dass man jeder Gitarre eine eigene Funktion zuweisen kann.

Eine Gitarre kann das Hauptriff liefern, eine andere eine Melodie beisteuern, während die dritte Harmonien, Dissonanzen oder eine zusätzliche atmosphärische Ebene einbringt. So können wir deutlich komplexere Arrangements aufbauen und eine gewaltige Klangwand erzeugen, ohne dass dabei die einzelnen Details verloren gehen.

Außerdem ermöglicht es uns, die Tiefe der Studioaufnahmen auch live besser umzusetzen. Einige unserer Songs enthalten mehrere, sich überlagernde Gitarrenspuren – mit drei Gitarristen können wir diese Arrangements wesentlich effektiver zum Leben erwecken.

Natürlich bedeutet das auch mehr Equipment, mehr organisatorischen Aufwand und weniger Platz auf der Bühne! Aber das ist ein geringer Preis für die musikalischen Möglichkeiten, die wir dadurch gewinnen.

Zwischen eurem ersten Album und heute habt ihr euch von einem Trio zu einem Sextett entwickelt. Welche Möglichkeiten eröffnet euch das als Band, um noch mehr Einflüsse zu integrieren?

Der größte Vorteil ist, dass wir über mehr kreative Spielräume verfügen und unterschiedliche Persönlichkeiten zur Musik beitragen können. Wenn man eine Band gründet, arbeitet man oft innerhalb der Grenzen, die durch die verfügbaren Personen und das vorhandene Equipment vorgegeben sind. Im Laufe der Bandentwicklung können sich diese Grenzen verschieben, und man entdeckt neue Wege, um seine Ideen auszudrücken.

Bei THRONEHAMMER standen schon immer Schwere, Atmosphäre und eine gewisse epische Qualität im Mittelpunkt. Es gibt jedoch keinen Grund, warum diese Elemente isoliert von anderen Stilen existieren sollten.

Wir können die Aggression und Intensität des Death Metal, die düsteren Texturen des Black Metal, die melodischen Aspekte des traditionellen Doom sowie die weitläufigen Strukturen des Post-Rock einfließen lassen. Durch die größere Anzahl an Musikern können wir diese verschiedenen Elemente wesentlich detaillierter ausloten.

Gleichzeitig bedeutet eine größere Besetzung nicht automatisch, dass eine Band besser wird. Jeder muss das Gesamtkonzept verstehen und wissen, wann er sich einbringen und wann er anderen Raum lassen sollte.

Ich bin zwar nach wie vor der Gründer und die treibende kreative Kraft der Band, aber ich möchte, dass die Musiker um mich herum ihre eigenen Ideen und Persönlichkeiten in die Musik einbringen. Nur so entsteht etwas, das lebendig wirkt – anstatt lediglich einer festen Formel zu folgen.

Mit jedem Album habt ihr die Grenzen des Doom Metal weiter verschoben. „Slay | Kill | Erase“ geht noch einen Schritt weiter – mit mehr Death-Metal-, Post-Rock- und filmischen Elementen. War das so geplant? Habt ihr euren Songwriting-Prozess verändert, und wie haben sich die Songs im Laufe der Zeit entwickelt?

Es war nicht so, dass wir uns hingesetzt und beschlossen hätten: „Das nächste Album braucht einen bestimmten Prozentsatz an Death Metal, eine gewisse Dosis Post-Rock und in jedem Song einen filmischen Teil. “ Das wäre eine ziemlich absurde Art, Musik zu machen!

Die Entwicklung verläuft eher organisch. Ich schreibe Musik, Ideen wachsen, Arrangements verändern sich – und manchmal führt uns ein Song an einen Punkt, den wir so gar nicht vorhergesehen hatten. Mit der Zeit wird man sicherer darin, einer Idee auch dann zu folgen, wenn sie einen aus der gewohnten Komfortzone herausführt.

Bei „Slay | Kill | Erase“ wollten wir etwas Dynamischeres und Weitläufigeres erschaffen. Es gibt nach wie vor jede Menge wuchtige Riffs und Momente kompromissloser Härte, aber wir wollten eben auch Spannung, Atmosphäre und Kontraste ausloten.

Der Post-Rock-Einfluss spielt dabei eine besonders wichtige Rolle. Manchmal braucht es gar kein weiteres Riff, um einen Song härter zu machen. Eine ruhigere Passage, eine sich langsam entfaltende Melodie oder ein langer instrumentaler Teil können Spannung aufbauen – sodass der eigentliche Einschlag am Ende umso heftiger ausfällt.

Ich glaube auch, dass uns die Erfahrung aus den vorangegangenen Alben bei unseren Entscheidungen sicherer gemacht hat. Wir kennen unsere Stärken besser, scheuen uns aber nicht, unsere eigenen Gewohnheiten zu hinterfragen. Das ist unerlässlich, wenn man sich weiterentwickeln will, anstatt einfach nur zu wiederholen, was beim letzten Mal funktioniert hat. Das Ergebnis ist ein Album, das nach wie vor unverkennbar nach THRONEHAMMER klingt – unseren Sound aber in ein weitaus breiteres Terrain führt.

Diese cineastische Atmosphäre ist wie angesprochen stärker ausgeprägt. Welche Filme, Bücher oder Soundtracks haben euch inspiriert?

Ich könnte keinen einzelnen Film, kein Buch und keinen Soundtrack als direkte Vorlage für das Album nennen. Die filmische Qualität entspringt eher unserer Herangehensweise an Atmosphäre, Spannung und den emotionalen Verlauf der Musik.

Mich interessiert Kunst, die eine eigene Welt erschafft – sei es durch Film, Literatur, Fotografie oder Musik. Düstere, beklemmende Landschaften, psychologische Spannung und Geschichten, die die weniger angenehmen Seiten der menschlichen Natur ausloten – all das kann als Inspiration dienen.

Musikalisch fasziniert mich besonders, wie instrumentale Musik etwas vermitteln kann, ohne alles explizit auszusprechen. Ein Soundtrack kann die gesamte Bedeutung einer Szene verändern, allein durch den Einsatz eines bestimmten Klangs oder einer Melodie. Wir versuchen, durch die Art und Weise, wie sich unsere Songs entwickeln, etwas Ähnliches zu erreichen.

Der Post-Rock-Einfluss hat uns dabei geholfen, diesen Ansatz weiter zu vertiefen. Anstatt jeden Teil nur als Vehikel für das nächste Riff zu begreifen, lassen wir eine bestimmte Atmosphäre entstehen und geben dem Hörer die Zeit, ganz in sie einzutauchen.

Ich finde, der Hörer sollte beim Hören seine eigenen Bilder im Kopf entstehen lassen können. Wenn jemand unsere Musik hört und sich dabei eine weite, trostlose Landschaft, eine zusammenbrechende Zivilisation oder etwas völlig anderes vorstellt – dann ist das wunderbar. Wir müssen nicht genau vorgeben, was der Hörer vor seinem geistigen Auge sehen soll.

Wie habt ihr das Gleichgewicht zwischen den verschiedenen Stilen gefunden?

Für mich ist entscheidend, dass alle unterschiedlichen Elemente dem Song dienen. Wir fügen keine Death-Metal-, Black-Metal- oder Post-Rock-Einflüsse hinzu, nur weil wir diese Genres mögen. Sie müssen innerhalb der Komposition Sinn ergeben.

Eine schnelle, aggressive Passage kann einen starken Kontrast zu einem langsameren, atmosphärischeren Teil bilden. Eine melodische Gitarrenlinie kann einem wuchtigen Riff eine völlig neue emotionale Dimension verleihen. Und manchmal ist es am wirkungsvollsten, Elemente wegzulassen, anstatt noch mehr hinzuzufügen.

Die Gefahr bei einer Band, die verschiedene Einflüsse einbaut, besteht darin, dass die Musik zu einer Ansammlung unzusammenhängender Ideen werden kann. Das möchte ich nicht. Die Songs brauchen eine eigene Identität und Richtung; die verschiedenen Teile müssen so wirken, als würden sie zusammengehören.

Auch der Gesamtsound der Band ist mir wichtig. Selbst wenn wir unterschiedliche Stile erkunden, sollte es ein erkennbares Maß an Schwere, Düsternis und Größe geben, das alles miteinander verbindet.

Wir setzen uns nicht mit einer Checkliste hin, um sicherzustellen, dass jeder Einfluss vertreten ist. Wir folgen der Musik und vertrauen auf unser Bauchgefühl. Wenn etwas emotional und musikalisch funktioniert, bleibt es. Wenn nicht, fliegt es raus.

Gibt es etwas, das ihr während der Entstehung von „Kingslayer“ gelernt habt und das „Slay | Kill | Erase“ beeinflusst hat?

Jedes Album lehrt einen etwas – egal, ob man es in dem Moment bemerkt oder erst später versteht. Die Arbeit an „Kingslayer“ hat uns weitere Erfahrungen darin vermittelt, längere Kompositionen zu entwickeln, mit Dynamik zu arbeiten und eine stimmige Atmosphäre über das gesamte Album hinweg zu erzeugen.

Eine der wichtigsten Lektionen für Musiker ist es, einer Idee zu vertrauen, ohne zu sehr an ihr zu hängen. Manchmal funktioniert ein Teil, der für sich genommen fantastisch klingt, im Kontext des gesamten Songs nicht. Umgekehrt kann etwas, das zunächst zu einfach erscheint, zum wichtigsten Element einer Komposition werden.

Ich glaube, diese Erfahrung hat uns mehr Sicherheit gegeben, Songs in ihrem eigenen Tempo entwickeln zu lassen. Wir müssen nicht jeden freien Raum mit einem weiteren Riff oder einer neuen musikalischen Idee füllen.

Bei „Slay | Kill | Erase“ konnten wir auf dem aufbauen, was wir gelernt hatten, und einen Schritt weiter gehen. Wir fühlen uns inzwischen wohler mit Kontrasten, längeren atmosphärischen Passagen und der Erkenntnis, dass Härte aus ganz unterschiedlichen Richtungen kommen kann. Es ist schwer, eine einzelne Lektion zu benennen, die alles verändert hat. Es geht eher darum, sich als Songwriter schrittweise weiterzuentwickeln und zu erkennen, was unsere Musik eigentlich ausmacht.

Gibt es ein lyrisches Konzept? Wovon handeln die Texte?

Es gibt kein strenges narratives Konzept im Sinne einer durchgehenden Geschichte, die sich durch alle acht Songs zieht. Es gibt jedoch wiederkehrende Themen, die das Album miteinander verbinden.

Ich beschäftige mich mit Macht, Gewalt, Zerstörung, der menschlichen Natur und den Mechanismen, durch die Menschen und Gesellschaften ihren eigenen Untergang herbeiführen. In der realen Welt gibt es reichlich Inspiration – und leider sind viele dieser Themen heute so relevant wie eh und je. Der Titel „Slay | Kill | Erase“ ist bewusst direkt und konfrontativ gewählt. Er evoziert einen Zerstörungsprozess und die Vorstellung, etwas vollständig auszulöschen. Zudem spiegelt er die Brutalität wider, die sich, sowohl musikalisch als auch textlich, durch einen Großteil des Albums zieht.

Ich möchte nicht, dass die Texte lediglich als eine Ansammlung politischer Statements oder als Vorgaben dazu dienen, was die Leute denken sollen. Ich bevorzuge eine Bildsprache, eine Atmosphäre und eine Wortwahl, die sich auf verschiedenen Ebenen interpretieren lassen. Für mich ist harte Musik ein geeignetes Medium, um sich mit unangenehmen Themen auseinanderzusetzen. Sie ermöglicht es, sich Dingen zu stellen, die hässlich, beängstigend oder schwer zu begreifen sind – ohne dass man sie dabei gefällig oder leicht verdaulich machen müsste.

Letztendlich möchte ich, dass die Texte der Musik eine weitere Dimension verleihen. Sie sollen die Atmosphäre ergänzen und den Hörer zum Nachdenken anregen, dabei aber auch Raum für eigene Interpretationen lassen.

Wie habt ihr die Abfolge der acht Kompositionen strukturiert, sodass jeder Übergang eine bestimmte Funktion innerhalb der Reise erfüllt? Wie wichtig ist es dir, dass das Album als geschlossenes Ganzes wahrgenommen wird – und nicht nur als eine Ansammlung von Liedern?

Der gesamte Fluss des Albums ist mir sehr wichtig. Mit acht Songs und einer Gesamtlaufzeit von 74 Minuten ist „Slay | Kill | Erase“ nicht gerade eine Sammlung kurzer, austauschbarer Stücke. Es ist ein Album, das vom Hörer verlangt, etwas Zeit zu investieren.

Mir gefällt die Vorstellung, dass ein Album einen irgendwohin mitnimmt. Die Songs müssen zwar für sich allein funktionieren, aber ihre Position in der Tracklist beeinflusst auch, wie sie wahrgenommen werden. Ein bestimmtes Stück kann ganz anders wirken, je nachdem, was davor kommt und was darauffolgt.

Dynamik ist hier entscheidend. Wenn jeder Song von Anfang bis Ende gleich intensiv ist, gewöhnt sich der Hörer an dieses Intensitätsniveau, und die Wirkung lässt nach. Kontraste in Tempo, Atmosphäre und emotionalem Gewicht helfen dabei, das Interesse über das gesamte Album hinweg aufrechtzuerhalten.

Wir wollten zudem, dass das Album eine Art Entwicklung durchläuft – anstatt einfach nur acht Lieder in beliebiger Reihenfolge aneinanderzureihen. Die verschiedenen Kompositionen steuern unterschiedliche Stimmungen und Dimensionen zum Gesamterlebnis bei.

Natürlich sollen die Hörer auch ihre persönlichen Lieblingssongs haben dürfen. Aber ich finde, es hat etwas Besonderes, ein Album komplett von Anfang bis Ende zu hören – besonders dann, wenn die Musik den Raum bekommt, sich über längere Zeit hinweg zu entfalten. In diesem Sinne ist „Slay | Kill | Erase“ als mehr gedacht als nur die Summe seiner einzelnen Songs.

Ihr habt diesen Old-School-Grafikstil auch beim Artwork für „Slay | Kill | Erase“ beibehalten. Wer ist der Künstler? Wie habt ihr eure Wünsche mit ihm besprochen?

Der Künstler heißt Nils Broß. Das Artwork wurde so gewählt, dass es die Musik ergänzt und nicht einfach nur den Albumtitel illustriert. Ich mag Artwork mit einer starken Identität und einer eigenen Atmosphäre, besonders wenn es diese Old-School-, fast schon traditionelle Metal-Ästhetik hat. Artwork, das sorgfältig komponiert wirkt und Details und Tiefe besitzt, hat etwas Zeitloses. Es muss nicht unbedingt glatt oder übermäßig poliert sein. Tatsächlich bevorzuge ich oft Artwork mit einer roheren, greifbareren Qualität.

Bei einem Album wie „Slay | Kill | Erase“ ist die visuelle Präsentation ein wichtiger Bestandteil des Gesamterlebnisses. Die Musik ist düster, heavy und expansiv, und wir wollten, dass das Artwork diesen Charakter widerspiegelt.

Ich finde es auch wichtig, dass ein Albumcover unabhängig von der Musik funktioniert. Es sollte die Aufmerksamkeit auf sich ziehen, aber auch den Betrachter belohnen, wenn er es länger betrachtet. Das Ziel war es, etwas zu schaffen, das sich mit der Identität von THRONEHAMMER verbunden anfühlte, ohne einfach nur das Vorherige zu wiederholen. Der visuelle Stil sollte zum Album passen und gleichzeitig eigenständig wirken.

Wie kam es zu der Idee, Max Hemmann von MOTOROWL als Gastsänger einzusetzen?

Ich fand, Max wäre eine großartige Bereicherung für das Album, da seine Stimme und sein musikalischer Hintergrund dem jeweiligen Song eine andere Note verleihen könnten.

Gastauftritte können sehr wirkungsvoll sein, wenn sie einen echten musikalischen Zweck erfüllen. Ich finde nicht, dass man jemanden nur deshalb einladen sollte, weil man seinen Namen auf dem Cover haben oder ihn in einer Pressemitteilung erwähnen kann. Der Beitrag muss dem Song etwas hinzufügen.

Max ist der Sänger von MOTOROWL, und ich hatte das Gefühl, dass seine Stimme gut in die von uns geschaffene musikalische Atmosphäre passen würde. Es war eine Gelegenheit, einen Gastauftritt einzuführen.

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